La fotografía de moda en blanco y negro que no pasa de moda

La ropa envejece despacio. El color envejece deprisa. Ese es todo el argumento a favor de la fotografía de moda en blanco y negro en una pared, y la razón por la que una imagen de hace décadas puede estar en una habitación sin anunciar de qué década procede.

El efecto se comprueba a la inversa. Una fotografía de moda en color lleva la paleta de su temporada —los verdes y naranjas que un año decidió que le gustaban— y esa paleta es lo primero que lee el ojo. Retire el color y quedan el corte, la línea, el porte y la luz. Eso envejece al ritmo del cuerpo humano, es decir, casi nada.

El género nació suave, y nació en 1911

La fotografía de moda tiene fecha de arranque. En 1911, Edward Steichen fotografió a modelos con vestidos del modisto Paul Poiret; trece imágenes de foco suave se publicaron en la revista Art et Décoration, y Steichen las llamaría después «las primeras fotografías de moda serias jamás hechas». El relato y la cita proceden del Victoria and Albert Museum, en su historia de cien años de fotografía de moda.

Dos detalles de esa frase pesan más que la fecha. Las imágenes eran de foco suave: el género no empezó con la estética nítida y de luz dura que hoy se asocia a la moda. Y se hicieron para sostener que el vestido pertenecía al arte y no al comercio. La fotografía de moda empezó como una reivindicación de seriedad, mejor cimiento para una pieza de pared de lo que parece.

Después encontró empleo

El paso del experimento a la industria ocurrió a través de un solo editor. Steichen fue fotógrafo jefe de las publicaciones de Condé Nast de 1923 a 1937 —las fechas que el Whitney Museum of American Art da para el puesto, y el periodo que el Art Institute of Chicago cataloga sencillamente como «Condé Nast, 1923-1937»—. Trabajó para Vogue todo ese tiempo, y para Vanity Fair hasta que esa cabecera fue absorbida por Vogue en 1936. Catorce años en los que un único fotógrafo fijó la gramática visual de dos revistas; allí quedaron establecidas casi todas las convenciones aún vigentes: la figura recortada sobre fondo liso, la luz encargada del modelado, la prenda tratada con la dignidad de un sujeto de retrato.

Conviene señalarlo, porque enlaza dos cosas que parecen ajenas: Steichen diseñó también la portada del primer número de Camera Work, en enero de 1903, la revista de Alfred Stieglitz, que se publicó hasta 1917; el Metropolitan Museum of Art recoge ambos datos en su estudio sobre Stieglitz y la fotografía estadounidense. El hombre que ayudó a definir el periodo del foco suave es el mismo que después industrializó la fotografía de moda. Las dos mitades del medio nunca estuvieron tan separadas como suele contarse.

Llegó el color, y la moda lo tomó primero

El color no siguió siendo exótico mucho tiempo. La historia del Victoria and Albert Museum destaca a Erwin Blumenfeld, en los años cuarenta, decantándose por Kodachrome, «que permitía a sus imágenes vívidas saltar de la página de la revista»; y saltar de la página es exactamente lo que una revista quiere. Una revista se compra, se lee y se tira. Debe gritar.

Una pared es el instrumento contrario. No se trata de decidir si uno la coge en un quiosco, sino de si podrá convivir con ella diez años, con su propia luz. Las cualidades que venden una portada —saturación, novedad, el color del momento— son las primeras que se desgastan en una habitación. El monocromo renuncia al grito y conserva la estructura.

De esto hay además una versión literalmente material. El Preservation Self-Assessment Program de la biblioteca de la Universidad de Illinois califica el riesgo de las copias cromogénicas en color como moderadamente alto y señala que una copia cromogénica anterior a mediados de los años ochenta «perderá invariablemente su imagen con el tiempo, incluso almacenada en oscuridad», mientras que califica de riesgo moderadamente bajo las copias en blanco y negro de gelatina de plata sobre papel de fibra. Se refiere a copias físicas de una época concreta, no a la fotografía en color en general, pero es la misma asimetría reapareciendo en la química.

No es una afirmación de que la fotografía de moda en color sea inferior. Es una afirmación sobre un uso concreto. Si quiere una imagen que se lea como de su época, el color es la mejor herramienta. Si quiere una que se lea como fotografía y no como un sello de fecha, retire el color.

Aquí los encuadres son anónimos, y no por descuido

Una nota sobre lo que esta casa sabe y lo que no, porque afecta directamente al modo en que funcionan estas imágenes.

No sabemos quién aparece en estas fotografías. No sabemos quién las hizo, dónde se tomaron ni cuándo. No diremos lo contrario, y convendría tratar a cualquier vendedor de láminas que ofrezca ese dato sin fuente con la misma desconfianza que aplicaría en otro sitio. Todo lo histórico de esta página está atribuido a un museo o a un archivo institucional; nada de esta página es una afirmación sobre nuestras propias imágenes.

Suena a limitación, y lo es, pero también describe cómo operan estas imágenes en una pared. Una fotografía de moda que trata sobre una persona reconocible es un póster de esa persona: funciona por referencia y se apodera de la habitación. Una fotografía de moda cuya figura no tiene nombre funciona como un estudio de figura: por forma, peso y gesto. El póster de figura de moda y el póster de modelos en grupo hacen exactamente eso. Nadie que entre en la habitación preguntará quién es, porque la imagen no ofrece un quién. Ofrece un cómo.

La misma lógica recorre el retrato editorial, donde el estilismo es deliberadamente corriente —vaquero, fondo liso— para que todo lo expresivo tenga que venir del porte y de la luz. Es la variante más difícil de resolver del género y la más fácil de habitar.

Elegir fotografía de moda en blanco y negro, y dónde ponerla

Algunos criterios, ofrecidos como criterios y no como normas.

• La moda pide pared lisa. Estas imágenes ya vienen cargadas de información tonal. Un papel pintado con motivos las combate, y gana el papel pintado.
• No es automáticamente una imagen de dormitorio. El reflejo manda la figura y la moda a lo íntimo. Pero la moda editorial es gráfica, formal y de temperatura algo fría: aguanta muy bien en un recibidor, un despacho o un estudio, habitaciones donde un paisaje se apagaría.
• Con una suele bastar. Estas imágenes tienen un centro de gravedad fuerte. Dos en el mismo eje de mirada compiten; una, con algo más callado al lado, no.
• Mejor grande que pequeña. Una lámina de moda pequeña se lee como una página arrancada de una revista, justo la asociación que se intenta evitar.

Sobre papel y luz, las respuestas valen para cualquier lámina monocroma; las exponemos en blanco y negro sobre papel mate. Si lo que atrae es la suavidad de las imágenes de 1911, el género que salió de ahí se trata en el desenfoque deliberado. Y si lo que retiene es la figura más que la ropa, se trata de otro género con historia más larga, en qué es un estudio de figura.